| bo-005 Aktuell - Christopher Williams - Jutta Koether | ||||||||||||||||||||||
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Aktuell - Info - Ausstellung | |||||||||||||||||||||
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Aktuell Die Kuratoren verstehen die wichtigste Ausstellung der Akademie der Künste im Jahr 2007 als einen Diskurs über den Raum, der ein konstituierendes Moment der Kunst des letzten Jahrhunderts ist. Mit vielen, noch nie in Deutschland ausgestellten Werken in unerwarteten Konstellationen sowie mit Neu- und Wiederentdeckungen und zahlreichen Leihgaben aus der ganzen Welt bringen sie die Wandlungen der Auffassung des Raumes in den visuellen Künsten zur Anschauung und spannen einen Bogen von der Klassischen Moderne bis in die Gegenwart.
In a unified architectural project, specifically designed for the spaces of the Gallery, Christopher Williams will directly intervene in the structure of the building, to rediscover in part its original appearance at the time it opened in 1975. Around forty works, some created specifically for the show, will be on display in the entrance, halls, corridors and service areas normally closed to the public, giving the spectator a journey “backwards through time” that will document the progressive transformation of the exhibition space originally designed by the architect Leone Pancaldi. Seit Jutta Koether in den 90er Jahren nach New York kam, bewegt sie sich im erweiterten Feld von Experiment und Improvisation, Literatur und Theorie der dortigen Szene. Die Zusammenarbeit mit Musikern wie Tom Verlaine (Television) oder Kim Gordon (Sonic Youth) sind für sie als Inspiration oft wichtiger als die Arbeiten bildender KünstlerInnen. Gerade über diese scheinbaren Umwege und alternativen Energieformen hat sie sich über die Jahre eine Art Freiraum geschaffen, der in der heutigen Situation die so dringend notwendige Neubewertung des Mediums Malerei und seines Potentials ermöglicht. Alice Creischer und Andreas Siekmann: Im Dezember 2002 wurde die Kleiderfabrik Brukman in Buenos Aires von den Arbeiterinnen besetzt und wird seitdem von ihnen in Eigenregie weitergeführt... Im Rahmen unseres Projektes ExArgentina haben wir zusammen mit den Arbeiterinnen von Brukman 10 Anzüge hergestellt. Sie sind geteilt; ihre Hälften erzählen zwei parallele Geschichten über die Symmetrie von Krise: die Besetzung der Fabrik und die Communiques auf dem G8 Gipfel, der 1999 im Museum Ludwig in Köln stattfand, als der argentinische Präsident Menem noch der Lieblingsschüler der neoliberalen Weltfunktionäre war. The painted, as against the photographic, world of Richard Prince is neither preconceived nor harmonious, linear, stable or continuous. Instead, it is a place of discrepancy and displacement, of contradictions and misunderstandings (much like reality in general). We could even speak of the absurdity of these works, the zone where irreconcilable elements on the pictorial surface initiate the signification. Herein, the spectator is confronted by a confusing and enigmatic frame of reference. Indeed, Prince’s figurative paintings are about reconstructing reality, or fabricating parallel realities. Roman Ondák verlagert in kaum wahrnehmbaren Verschiebungsprozessen alltägliche Situationen in den Ausstellungskontext, um dabei auf subtile Weise gesellschaftliche Verhaltensformen, Wünsche, Ideen oder Fantasien einzufangen, wobei er zugleich ein Zeitmoment einbaut, in dem er Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft miteinander verschränkt. In unterschiedlich konzipierten Situationen, Aufgabenstellungen oder Anweisungen macht er dabei das Publikum oder außen stehende Personen, Bekannte, darunter auch Kinder, Arbeiter einer Fabrik ebenso wie einen Politiker, den er in einem Brief anspricht, zu Ko- Produzenten seiner Arbeiten. "Exil des Imaginären" stellt exemplarisch künstlerische Arbeiten vor, die über die Beziehung zwischen post-konzeptueller Praxis und dem Erbe von Roland Barthes’ "Fragmente einer Sprache der Liebe" nachdenken. Im Besonderen greift die Ausstellung Barthes’ Behauptung auf, dass Liebe als kritisches „Medium“ in politisch turbulenten Zeiten fungieren kann. Für jede der künstlerischen Arbeiten dient die Frage des Begehrens als Vehikel um sich der eigentlichen Thematik zu nähern – einem paradigmatischen kulturellen Ereignis. Alexandre da Cunha und Damien Roach setzen sich in ihren Werken mittels billiger oder unprätentiöser Materialien mit gegebenen gesellschaftlichen Problematiken auseinander. Während bei Alexandre da Cunha stärker politische Implikationen zu sehen sind, handeln die Arbeiten von Damien Roach das Thema auf einer philosophischeren Ebene ab. Im Zusammenspiel der beiden Künstler aber wird die Macht des Alltäglichen und Banalen, die versteckte Poesie der unscheinbaren Dinge sowie auch das Fragile, Verletzliche und Prekäre der Existenz zum Symbol für die Bedingungen des Menschen in der gegenwärtigen Gesellschaft. Heribert C. Ottersbachs Malerei leistet einen spezifisch bildnerischen Beitrag zu Diskursen der Gegenwart, ohne dabei jedoch ihre Autonomie als künstlerisches Medium preiszugeben. Ein wesentlicher Bestandteil seines Werkprozesses ist die Recherche in kulturgeschichtlichen und privaten Archiven sowie im Internet. Aus dabei vorgefundenen Materialien und aus eigenen zeichnerischen Entwürfen entwickelt der Künstler seine Bildideen. Das Ergebnis ist eine »synthetische Malerei«, deren Architekturen, Interieurs, Situationen und Personen oftmals wie Traumbilder erscheinen. After abandoning his successful cycle of monochromes, in 1964 he started working in the genre of landscape, continuing to experiment with materials and process, composition and style. In these works, Mario Schifano emptied the space of the painting by introducing fragments of plastic materials—perspex boards ‘bolted’ onto the canvas—which suggest an interest in a broader concept of painting contaminated by the new technological age. Le Nuage Magellan (The Magellanic Cloud) is inspired by a science-fiction novel from the Polish writer Stanislaw Lem. Referring to the visionary projects of Modernist architect Oskar Hansen, new works by six contemporary artists: Michael Hakimi, David Maljkovic, Paulina Olowska, Dan Perjovschi / Lia Perjovschi, Maya Schweizer and Clemens von Wedemeyer, look at Modernism as a social project and an aesthetic code, mainly through its architectural and urbanistic expression. Markus Vater’s series of canvases, entitled ‘At The End of the World’, offer tragic-comic, stream-of-consciousness snapshots of what will happen when the apocalypse dawns. Vater possesses a protean appetite for committing the oldest sins in the newest kinds of ways, reinventing genres and painterly styles through a freewheeling imagination and unlikely comic inversions. The series currently numbers 35 canvases and is, as the artist notes, completely “open-ended – the piece is a list which can be continued”. The “open-endedness” of the series gives Vater the scope to stage encounters with every conceivable worldview, myth, and belief system ranging from “biological, evolutionary, mathematical, Christian, Romantic, political to nonsense mythologies.” Ryan McGinley has been following Morrissey’s tours for the past two years capturing the reclusive singer and his committed fans all over the US, the UK, and in Mexico. Although he has been an intensely devoted fan of the musician for most of his young life, McGinley has gained a distance on his subject through a total immersion. Having photographed quite literally hundreds of shows, McGinley becomes, in a sense, accustomed to the patterns of Morrissey’s performances and can “predict” the response of fans for whom the singer’s appearances form a major life anchor. Der 1905 in Paris geborene Philosoph, Schriftsteller, Übersetzer und bildende Künstler Pierre Klossowski begann erst im Alter von 67 Jahren mit Farbstiften zu zeichnen. Hierbei eignet sich Klossowski die Bilder und Mythen aus der Geschichte der Malerei an. Diese verpflanzt er in eine moderne, von Alltagsgegenständen besetzte Umgebung und versetzt sie damit in die eigene Welt und Zeit. Im Sommer 2007 zeigt das Museum Ludwig die erste Balthus - Ausstellung in Deutschland. Hierdurch entsteht innerhalb eines kurzen Zeitraums ein noch nie da gewesener Überblick über das außergewöhnliche, selten gezeigte Werk des beispiellosen Bruderpaars Klossowski - Balthu s. Mit dem Titel der Ausstellung Wörtliche Malerei werden in einer optischen Dialogform zwei künstlerische Œuvres verbunden, die man ohne diesen bindenden Titel nicht unmittelbar miteinander vergleichen würde. Diese Dialogform hat sich angeboten, da die Künstler Rolf-Gunter Dienst und Dieter Krieg befreundet sind / waren, vieles gemeinsam unternommen und viel über Malerei nachgedacht haben. Beide hatten viele gemeinsame Aktivitäten, darunter auch lautes Reden, Diskutieren, Ausgehen, aber auch die Lust an dem höchsten Spiel aller bildenden Künste, dem Schachspiel, so wie es Marcel Duchamp formuliert hat, der im Schachspiel die legitime und einzige Fortsetzung aller Künste sah. Parallelausstellung: Dieter Krieg / Arp Museum - Bahnhof Rolandseck Religion und Mythos, Kosmos und Kult sind die Themen des Berliner Künstlers Thomas Zipp, die er in seinen Bildern, Objekten, Collagen und Zeichnungen auslotet. Eine in Bronze gegossene Glocke verstört den Blick auf das scheinbar vertraute Motiv durch das Abbild eines Totenkopfes und die Aufschrift „Geist ohne Körper“. Hier wird der Tod eingeläutet und gleichzeitig transformiert. „Geist über Materie“ war auch der Titel einer seiner letzten Ausstellungen. Zipp verwendet Bildzitate aus Politik, Geschichte und Wissenschaft in seinen Arbeiten. In den 1970er und 1980er Jahren entwickelte sich das Department of Media Study an der State University of New York at Buffalo zu einem Ort der Lehre und Vermittlung im Bereich der Medienkunst, vielleicht die einflussreichste Schule für Medien im 20. Jahrhundert. Unter der Leitung des Gründers Gerald O´Grady unterrichteten dort die mittlerweile kanonisierten strukturalistischen Avantgardefilmer Hollis Frampton, Tony Conrad und Paul Sharits, der Dokumentarfilmer James Blue, die Videokünstler Woody Vasulka & Steina sowie Peter Weibel. Die Arbeit von Candice Breitz untersucht den Einfluss kommerzieller Popkultur innerhalb eines globalen Kontexts. Working Class Hero (A Portrait of John Lennon) zeigt 25 begeisterte John Lennon Fans beim Nach-Singen seines ersten Soloalbums John Lennon / Plastic Ono Band (1970). Das Album, das sich mit den Traumata von Lennons Kindheit befasst und unter dem Eindruck der Janovschen Urschreitherapie entstanden ist, ist eines der berührendsten Werke des 20. Jahrhunderts. Lennon schreit seine Verletzungen, seine Wut und seine Verzweiflung heraus und 25 Hardcore Fans tun es ihrem Idol nach. The Body of Color traces the conceptual and technical processes that led to Hélio Oiticica’s emancipation of color into space. The approximately 220 objects represent the different series Oiticica created between 1955 and 1969, shedding light on the contexts and influences of their production, and demonstrating the rigor of his aesthetic inquiry. In keeping with the interdisciplinary scope of his production, the exhibition also includes documentary materials, films, and maquettes. Erstmals werden Werke Klees zusammengeführt, die Max Ernst gesehen hat und die sich zeitweise in seinem Besitz befanden. Weitere Arbeiten belegen spannende Motivanalogien im Œuvre beider Künstler und zeigen Klee ebenfalls mit experimentellen bildnerischen Versuchen beschäftigt. Was bei Paul Klee Episode bleibt, führt bei Max Ernst zum radikalen Bruch mit der konventionellen Malpraxis. Die Brühler Präsentation läuft parallel zur Klee-Ausstellung im Museum Ludwig Köln: "Paul Klee. Kein Tag ohne Linie". Diese beleuchtet besonders Aspekte des künstlerischen Spätwerks. Allora & Calzadilla have taken up the genre of war music as the basis for a new body of work. Tracing the history of this form of sonic expression back to earliest of military encounters, the exhibition investigates the bodily and physical dimensions of the music of war. A large sculptural form- serving as a hybrid chamber resembling perhaps a bunker, a meteorite, a ruin, a cave and/or a sound booth, will accommodate a group of musicians playing various repertoires of war songs from different geographical territories and historical periods. The simultaneous performances, at times harmonizing and at other moments in complete discord, will cumulatively generate a monstrous montage of war music, somewhere between a symphony and cacophony. Die Frage nach dem Starkult in der Kunst, dem Nähren des Bedürfnisses nach Mythos und der determinierten Rolle des männlichen Helden veranlasste Elke Krystufek zur Auseinandersetzung mit Leben und Werk von Bas Jan Ader. Für die Ausstellung im MAK entwickelt die Künstlerin einen Film, der das fiktive Wiederauftauchen von Bas Jan Ader als weibliche Heldin (personifiziert von der Künstlerin) zum Inhalt hat. Dem einsamen männlichen Forscher, Helden, Künstler mit eingeschriebener Untergangsphantasie stellt Elke Krystufek in der feministischen Neuschreibung seiner Geschichte eine positive, starke, weibliche Künstlerin entgegen. Die Künstler der Ausstellung "Personal Affairs" thematisieren kaum mehr ihre eigene Intimität, sondern verarbeiten viel häufiger die intimen Äußerungen dritter Personen. Sie sind sich im Vergleich mit den beschaulichen bis kämpferischen Positionen der Vergangenheit ihrer komplexen Rolle als Vermittler zwischen den Sphären bewusster geworden. Dabei dokumentieren sie, greifen ein, parodieren und nutzen das Verborgene zur politischen Aussage. Sarah Sze´s installation for Malmö Konsthall will fill the entire exhibition space and interact with the surrounding architecture. A complex network of patterns, structures and details works together to create movement through the space. It is like a spontaneous organism that overflows, takes off, flows, hovers, and finally conquers the entire space. Many small individual components work together to create a greater whole. The components are formed out of small everyday and trivial objects which Sze carefully and thoughtfully combines and links into an airy and transparent structure. Brian Jungen first came to public attention with his Prototypes for New Understanding (1998-2005), a selection of Nike Air Jordan trainers that he dissected and reassembled to resemble Northwest Coast Indian masks. Conflating the transformative power of ceremonial masks with Nike consumers’ desire to emulate or become sport stars by wearing a particular brand of trainers, Jungen plays with economic and cultural values, revealing the power of contemporary ‘idols’ and linking colonial history with today’s Third World sweatshop labor. Hermann Nitsch polarisiert seit den frühen Anfängen seiner Aktionskunst die Kunstwelt. Die Berechtigung seines Werkes sieht der Künstler selbst rückblickend eher in dessen festiver Sinnlichkeit als in seiner kunstgeschichtlichen Einordnung: "Was will ich wirklich mit meiner Arbeit? Ich will, dass das Drama zum Fest erweitert wird. Ich will das schönste Fest der Menschheit entwerfen, das keinen anderen Vorwand als das Leben selbst hat, ich will, dass wir wissen, dass wir sind, und dass der Umstand, dass wir sind, verherrlicht wird, zum heiter herzlichen Fest, denn dieses unser Sein haben wir, sonst vorerst nichts."
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